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29 de novembro de 2010

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1 (2010)

Um filme de David Yates com Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint e Ralph Fiennes.

Alguns dizem aleluia, outros choram de emoção. A saga de Harry Potter está chegando ao fim, chegará ao fim em julho de 2011. Sou fã de Harry Potter, sempre gostei das histórias dos livros. Mas no cinema são outros quinhentos. Por eu criticar excessivamente os filmes por uma atuação sem sal dos protagonistas, por uma não fidelidade ao livro, por uma duração curta se for comparada ao nível de informações que a película nos traz, achei uns dois filmes relativamente bons. Harry Potter e as Relíquias da Morte mostra alguns problemas que sempre vieram nos filmes do bruxo: a duração é pouca para muito. Mas a excessiva fidelidade ao livro transformam esse último filme num dos melhores da franquia.
Harry Potter (Daniel Radcliffe), junto com seus amigos Rony Weasley (Rupert Grint) e Hermione Granger (Emma Watson), precisa achar um jeito de derrotar Lord Voldemort (Ralph Fiennes) neste último e decisivo capítulo de sua história. Após a morte de Dumbledore (Michael Gambon), Harry tomou conhecimento das horcruxes, objetos em que Voldemort depositou um pedaço de sua alma para que ele pudesse voltar à vida se fosse derrotado. Agora a única chance dos três amigos é destruir todas as horcruxes de Voldemort que acharem para, enfim, matar o poderoso Lorde das Trevas. Eles não estão sozinhos nessa árdua jornada, mas o inimigo fica mais forte à medida que o tempo passa, tomando o controle do mundo dos bruxos.
A atuação melhorou incrivelmente dos últimos filmes para esse, provavelmente o amadurecimento dos atores que não são mais jovens. Há uma presença notória em Rupert Grint, que está excelente, agora mais independente do que nunca, já que sai da sombra de Harry Potter e cria algo sólido para representar. Emma Watson e Daniel Radcliffe tem uma atuação boa, uma pena que Rupert não passe mais tempo com eles no longa. Ralph Fiennes está incrível em seu personagem altamente caracterizado. Além desse grande elenco de peso, há a presença da ótima Helena Bonham Carter, que eu nunca vou parar de achar ótima, que faz a excêntrica Bellatrix Lestrange; de Alan Rickman como Severo Snape; e de Imelda Staunton, representando a dogmática Dolores Umbridge.
Algo que percebi no filme foi uma duração não proveitosa do que tinham. Soube que essa última parte foi dividida em duas para poder ter mais fidelidade ao livro, que não poderia ser cortado. A fidelidade está presente, mas as excessivas cenas de acampamento ao longo da sessão me deixaram com uma sensação desnecessária no filme, de que as tirando não iria interferir em nada e ainda colocar mais elementos da literatura no cinema. Embora as cenas estivessem criando monotonia no ar, foi uma boa tentativa de colocar uma fotografia, trilha sonora e cenário bem mais densos do que os vistos nos outros filmes. A história é um reles conto de aventura, cheio de efeitos bem trabalhados com ângulos ótimos. David Yates soube mesmo como dirigir com maestria. O roteiro me lembrou em muitas partes, principalmente na cena no Ministério da Magia, um apelo à Segunda Guerra Mundial, quase conseguia ver a suástica nas capas das revistas.
O último filme de Harry Potter é uma mostra da discriminação através de comparações com uma linguagem fácil de ser entendida. Há, obviamente, uma rixa imensa entre os bruxos e os "trouxas", até mesmo os bruxos nascidos trouxas entram na lista de mais procurados. Há uma cena imperdível de Helena Bonham Carter torturando Emma Watson, que deixa isso claro. E isso facilita o entendimento do filme até para os que não acompanham a saga. Embora haja informação demais para um curto período e para os mais leigos poderem criar um entendimento fácil do filme, é um dos melhores da saga. Dou os créditos do sucesso de As Relíquias da Morte ao ótimo David Yates, me fez assistir um Harry Potter de vários ângulos com sua direção impecável e para os atores, em especial Rupert Grint e Ralph Fiennes que me contagiaram com um trabalho bem feito.
NOTA: 8

28 de novembro de 2010

Babel (2006)

Um filme de Alejandro González Iñárritu com Brad Pitt, Cate Blanchett e Gael García Bernal.

É com grande pesar que assisto o último filme da brilhante trilogia de Iñárritu, nunca 3 filmes me deixaram tão satisfeito. Amores Brutos criou metáforas inteligentes entre os dramas de uma vida amorosa e os cachorros que interferem nessas vidas. 21 Gramas já se utilizou de pensamentos filosóficos entre a vida e a morte, o drama de Sean Penn que está quase morrendo e sua mulher querendo ter um filho seu é um dos muitos exemplos do filme. Babel é o preconceito puro. A Torre de Babel, mito hebraico de uma torre que foi construída para chegar ao céu e foi parada graças a variações culturais se encaixa perfeitamente nesse filme. Tanto que, obviamente, deu o nome à película. Falo que é um preconceito puro, mas não se encaixa nos preconceitos explícitos contra os homossexuais e negros que a indústria cinematográfica insiste em explorar. É o preconceito gerado pela intolerância e o medo de outras culturas, a xenofobia em outras palavras.
Num deserto marroquino, dois irmãos acabam de receber do pai uma missão e um rifle: matar os chacais que podem comer as cabras da família. Ambos esquecem facilmente a tarefa e começam a brincar com a arma atirando nos poucos carros que passam na rodovia. Quando veem um ônibus de turismo passando, o tiro acerta uma das passageiras que estava na janela, Susan (Cate Blanchett). Seu marido Richard (Brad Pitt) se desespera num país completamente estranho a seus costumes e tenta achar um lugar para cuidar de sua mulher, o que se dificulta a partir da rotina dos turistas. O acidente acaba afetando nos Estados Unidos a babá Amelia (Adriana Barraza), que tem o casamento do filho no México para ir mas tem de cuidar dos filhos de Richard e Susan; uma família de japoneses composta por um pai que tenta ajudar sua filha Chieko (Rinko Kikuchi), uma adolescente surda e virgem, a superar a morte da mãe; e as duas crianças que brincavam com o rifle, Ahmed (Said Tarchani) e Youssef (Boubker At El Caid).
Atuação sublime. Um dos melhores trabalhos de Brad Pitt que já pude ver. Cate Blanchett está ótima, embora apareça deitada num tapete inconsciente a maior parte do filme. Gael García Bernal, não preciso de nada para descrevê-lo, está esplêndido. Mas o melhor mesmo é seu trabalho em Amores Brutos. Gostei bastante de Rinko Kikuchi, mas a forma de que seu problema foi criado me pareceu um pouco forçado, a tentativa inquieta de perder a virgindade sem conseguir se comunicar com o parceiro de uma maneira sólida. Mas a construção de sua personagem surda-muda foi estupenda, incrível mesmo. Já merece ser conferido. Também gostei bastante da personagem de Adriana Barraza, a babá Amelia. Embora sua intenção fosse ser o lado mais sórdido da história, não há como não sentir pena de sua interpretação maravilhosa.
Essa intenção de criar o lado mais sórdido da história é a denúncia de Iñarritu e seu fiel roteirista Guillermo Arriaga à intolerância presente num mundo globalizado até demais. As culturas se tornam tão distintas que cidades que distam pouco mais de 30km se tornam rivais, separadas por uma grande fronteira. Sempre me disseram um ditado: É fácil sair dos Estados Unidos, o difícil é voltar para lá. O filme mostra isso claramente, se você não for um americano, os Estados Unidos se tornam impossíveis. Outro aspecto de crítica no filme foi o ônibus cheio de turistas numa vila pobre do interior do Marrocos, onde os turistas morrem de medo de sair e ver aquela estranha e inferior civilização de outro modo que não seja o vidro. Ainda mais, há a cena final que representa toda essa intolerância. No alto de uma grande torre há dois conterrâneos, pai e filha, que não conseguem se comunicar com perfeição. A mudez é o preconceito vivo no caso, que impede a menina de se tornar parte do mundo.
A globalização une e separa ao mesmo tempo. As culturas se tornam, ao mesmo tempo mais próximas, mais distintas. Por mais que seja um meio necessário, ele promove a xenofobia. Qual as chances de um norte-americano falar sem qualquer tipo de preconceito com um marroquino? Línguas diferentes, culturas diferentes, intolerância com o próximo. No nosso mundo globalizado, há muito poucas. Até com um mexicano, que mora bem ali, virando a esquina, tudo se torna difícil. Babel é uma denúncia à falta de comunicação de um mundo que deveria se comunicar mais.
NOTA: 9

24 de novembro de 2010

21 Gramas (2003)

Um filme de Alejandro González Iñárritu com Sean Penn, Naomi Watts e Benicio Del Toro.

O filme começa numa confusão de cenas, algo totalmente misturado, sem qualquer linearidade padrão. O espectador é jogado num universo onde as cenas se mostram a partir da vontade do diretor e do roteirista da película, todas alternando situações leves e tensas numa mesclagem indistinta entre passado, presente e futuro. Esse é um dos pontos altos de 21 Gramas. O filme não tem ponto alto, realmente, porque todos os pontos altos são jogados de uma vez só, criando o filme em seu próprio ápice. Enquanto uma situação se acalma, a outra está culminando. E as cenas só são jogadas ainda mais para nossa mente, quando começamos a especular sobre as possíveis tramas, novas cenas reveladoras aparecem quebrando nosso pensamento. É um filme interativo, nos força a pensar ao mesmo tempo que vemos, pensar para poder montar o quebra-cabeça de 125 minutos jogado ao ar e criar uma história realmente concisa.
Paralelamente, 3 vidas seguem indiferentes umas as outras: Há primeiramente Paul Rivers (Sean Penn), um ex-professor de matemática que está a beira da morte, pois já está há meses na fila de um transplante de coração. Sua mulher, Mary Rivers (Charlotte Gainsbourg) está nervosa pois seu maior desejo e ter um filho do marido antes que ele faleça, então prepara uma inseminação artificial completa sem ao menos saber do desejo do companheiro. Ao mesmo tempo temos Cristina Peck (Naomi Watts), casada com um homem maravilhoso e com duas belas filhas resultantes do matrimônio, uma mulher com um passado obscuro que encobre tudo por debaixo dos panos do casamento. E, do outro lado, há Jack Jordan (Benicio Del Toro), um ex-presidiário que após todos os seus crimes hediondos encontrou uma redenção de sua vida mundana na palavra de Deus. Todas essas 3 vidas são mudadas após um acidente que cruza o destino de todos.
A obra é uma adepta da teoria do caos, a partir de uma única ação vidas inteiras são mudadas. No caso, essa teoria é colocada como a palavra de Deus através de uma religião usada para mudar a vida de pessoas como Jack Jordan, que precisam de algo consistente para poder seguir sem cometer seus crimes. E a partir disso algumas das melhores atuações da última década são colocadas na tela. Não há do que reclamar do trio principal. Sean Penn está ótimo, nada menos e muito mais. Convence o público o tempo inteiro. Naomi Watts carrega todo o peso emocional da estória. Sua atuação é poderosa e suas cenas sentimentais são o auge do auge que é o filme. Benicio Del Toro ainda consegue roubar a cena de Watts e coloca toda a sua tensão e lado emocional a posta em seu personagem fervoroso. Bela fotografia e um cenário propício para esta.
No meio do filme (que talvez seria o começo ou então o fim), Sean Penn comenta que a matemática pode decidir vidas inteiras, que os matemáticos buscam colocar os número em todos os lugares possíveis e impossíveis. Qual o verdadeiro peso de uma vida? O verdadeiro peso de um amor? A matemática coloca 21 gramas nessa situação. Dizem que todos perdemos 21 gramas no exato momento de nossa morte. Mas é isso que uma vida pesa mesmo? O filme termina com a reflexão de o quanto você consegue colocar em suas 21 gramas que vai tirar de seu corpo vivo e levar para a morte. Você consegue colocar nas 21 gramas o peso de sua redenção e esquecer que vivo você foi preso inúmeras vezes? Você consegue colocar em suas 21 gramas o peso do amor inexorável sentido em vida, para ser capaz de amar até um pedaço da verdadeira paixão no corpo de outra pessoa? Você consegue colocar sua busca pela vida nos 21 gramas ou neles só cabem a vingança que você buscou, uma vingança cega sem limites?
O questionamento principal do filme é o valor de sua vida. O valor da vida está jogado em cenas desconexas se colocadas em certa ordem, mas coesas se colocadas em outra. E não só o valor da vida, o valor das suas "21 gramas", tiradas de sua vida. O valor do que mais marcou sua vida está carregado em todas as gramas que forem perdidas ao longo da morte. Há uma vida após a morte, é o que Sean Penn mostrou após sair de um estado de "coma", que era sua espera pela morte na fila de transplantes, é o que Naomi Watts mostrou ao continuar amando o que restou de seu marido no corpo de outro, é o que Benicio Del Toro comprovou ao criar duas vidas para seu personagem, antes e depois de Cristo. E o que você leva dessa vida, no caso a vingança, são seus 21 Gramas. O filme não ficaria completo se não fossem as atuações magníficas do trio principal, as melhores das carreiras deles pelo que já pude conferir. Um filme necessário, até demais.
NOTA: 10

O Escritor Fantasma (2010)

Um filme de Roman Polanski com Ewan McGregor e Pierce Brosnan.

Roman Polanski não decepciona, mesmo quando faz algo tão diferente do que eu já tinha conferido. O Escritor Fantasma está aí para isso. Enquanto em O Bebê de Rosemary ele cria uma atmosfera de horror e n'O Pianista ele cria um mundo pós segunda-guerra, O Escritor Fantasma está numa linha mais suspense à la Hitchcock, com o gênero noir que o polêmico diretor também utilizou em Chinatown. Além disso, é evidente a crítica política a Tony Blair no filme através da vida conturbada do primeiro-ministro fictício e um clima envolvente e misterioso sobre todas as especulações sobre uma carreira política, cheia de decisões que acometem um país inteiro.
Adam Lang (Pierce Brosnan) é o primeiro-ministro britânico, que possui uma vida cheia de mistério. Para esclarecer os detalhes dela ao seu fiel povo inglês, ele contrata um escritor fantasma (Ewan McGregor) para poder escrever suas memórias de uma forma agradável ao público. Com isso, o escritor se encarcera numa ilha norte-americana para começar um livro de memórias. Mas, pouco a pouco, as memórias de Lang vão se revelando cada vez mais obscuras, ainda mais porque recentemente houve uma acusação contra o primeiro-ministro de participação no terrorismo e porque o último escritor-fantasma contratado por Adam Lang morreu afogado, sem ninguém saber como.
É um filme completo, redondinho. O personagem de Ewan McGregor insiste em falar no início do filme que é um leigo no quesito política, o que permite que os mais atualizados até os mais desinformados sobre possam entender de uma forma fácil o filme. Também há o isolamento do personagem principal numa ilha longe de qualquer meio de informação, onde a TV transmite tudo o que há para se saber, dificultando todo o trabalho de um escritor fantasma. Mas no fim tudo se explica de um modo mais misterioso ainda, cheio de características dos melhores filmes noir como o envolvimento de espiões, agentes, políticos, tramas disfarçadas ou então descobertas literárias bem boladas. No geral, o filme inteiro é bem bolado, assim como sua trama. São boas atuações no geral, um merecimento especial para a atuação já estereotipada, mas que veio bastante a calhar de Pierce Brosnan e alguns momentos de Ewan McGregor possuem essa característica do detetive descompromissado. A atuação de Olivia Williams também merece uma atenção, embora sua aparição fosse bem curta, ela fez valer seus momentos.
O Escritor Fantasma não me chamaria se não recebesse tanta atenção esse ano, atenção essa correspondida com uma crítica à política através de metáforas e escândalos envolvendo guerras atuais com personagens com as mesmas características de certos líderes. O filme segue bem um suspense policial, envolvente com mistérios não explicáveis e uma trama explicável facilmente, um personagem principal que facilita a compreensão da plateia, pessoas que surgem e somem inexplicavelmente e um ritmo que cai e sobe ao decorrer da sessão. A atenção é merecida, é um bom filme para ser visto tanto por sua história quanto por sua direção. Polanski continua imperdível.
NOTA: 7

21 de novembro de 2010

Amores Brutos (2000)

Um filme de Alejandro González Iñárritu com Gael García Bernal e Emilio Echevarría.

Primeiramente, uma pequena e, provavelmente desnecessária, ressalva. O título original é Amores Perros, que foi traduzido no Brasil para Amores Brutos. Não é culpa da tradução, ainda mais que é um outro sentido, mas é bom se lembrar vendo o filme que perros também significa cães. Fora isso, o filme é uma obra fascinante e terrivelmente agradável. Mal sabia quem era Iñárritu há um mês e também não sabia que ele fez uma trilogia tão falada. Claro, já ouvi falar da promoção em cima de Babel, provavelmente por causa do Brad Pitt, e há tempos estou querendo ver 21 Gramas. Quando soube que era uma trilogia, falei que queria ver direito. E digo que se a trama continuar do mesmo modo que Amores Brutos é porque seu diretor é um puta diretor que fez 3 filmes de ouro.
Na Cidade do México ocorre um acidente de carro que muda drasticamente 3 vidas: Há o jovem Octavio (Gael García Bernal) que ganha dinheiro através de brigas de cães com seu cachorro Cofi, dinheiro esse destinado para uma fuga com sua cunhada Susana (Vanessa Bauche) de suas vidas medíocres. Outra envolvida é Valeria (Goya Toledo), uma modelo que é amante de Daniel (Álvaro Guerrero), um homem que deixou toda a vida anterior, mulher e filhas para viver com essa sua paixão. Embora não tenha se envolvido no acidente diretamente, Chivo (Emilio Echevarría), um ex-guerrilheiro que virou um mendigo matador de aluguel, encontra em Cofi, que estava no carro de Octavio, uma chance de mudar sua vida e se reconcialiar com sua filha.
O roteiro é completamente mudado através dos cachorros que se falam no filme. Ao passo que a vida de Octavio é arruinada a partir do momento em que ele acha que perde Cofi, - sua cunhada é levada pelo irmão, seu cachorro quase morre, ele sofre um acidente, é perseguido por rivais - a vida de Chivo recebe um milagre com o cachorro encontrado num acidente. Ele se vê livre de mais um assassinato, fatura mais do que o esperado e consegue coragem para fazer o que não conseguiu nos últimos anos, que é mostrar para a filha que ele realmente existe. A modelo Valeria apenas consegue sair e perceber sua vida não tão perfeita quando seu cachorro cai num buraco de seu apartamento. Ela vê que embora o homem que a amasse fosse morar com ela, ela tinha arruinado uma vida e tinha acabado de arruinar a sua própria. O que faz uma modelo sem pernas? Como o marido dela a aguenta? Essa relação fica tão arruinada e acabada como uma casa cheia de buracos no chão, buracos que são tentativas para resgatar um amor que já tinha sido desfeito, como um balão de gás hélio em forma de coração após uma semana. Ele murcha.
A atuação está ótima. Do elenco, só conhecia Gael García Bernal, que rouba a cena de sua história tempestuosa. Chega a ser uma tarefa árdua, mas ele tira de letra. Numa trama onde os personagens tem uma luta diária por sobrevivência, onde o irmão rouba, onde a cunhada sofre com a gravidez e a mãe sofre com as dívidas, e ele ainda arca com as ameaças diárias da vida que leva na briga de cães, são personagens fortes que merecem atuações fortes, que foram conseguidos com sucesso. Goya Toledo está ótima, rouba a cena em sua história tanto por sua beleza quanto por sua interpretação. É o mesmo caso de García Bernal, só que sua história é bem mais maçante do que angustiante, são 45 minutos de um drama de um cachorro que cai num buraco, mas ela consegue trazer a cena para um bom nível. Emilio Echevarría é a verdadeira estrela do filme que esbanja seu personagem nas menores cenas, que aparece na história de todos e é uma ligação com todos. Sua vida caótica é a trama mais envolvente da história, sua cena onde deixa dois irmãos "resolverem seus problemas" é de tirar o fôlego. Além de tudo isso, o filme conta com uma trilha cativante.
Amores Brutos é um relato de vidas entrelaçadas através de um acidente, vidas tão distintas que tem mais em comum do que se poderia imaginar. Há em comum vários exemplos de amores brutos, um amor proibido pelo mulher do irmão, um conflito amoroso entre o homem alheio e uma relação amorosa entre uma filha e um pai ausente que era preferível que estivesse morto. Além de tudo, há os cães, que me chamaram bastante a atenção. Fico com tanta pena deles, saindo do filme ainda com tantos questionamentos na cabeça minha maior dúvida era se algum animal tinha sido ferido.
NOTA: 9

20 de novembro de 2010

Direito de Amar (2010)

Um filme de Tom Ford com Colin Firth e Julianne Moore.

É uma história de amor na década de 60. O único ponto que consegue causar um conflito na história é que é uma história de amor homossexual, de uma relação duradoura de 16 anos. Não é verificado um preconceito acentuado como, por exemplo, em outro filme que Moore participa, Longe do Paraíso. E o filme não explora muito essa relação. Há filmes bem melhores que abordam a temática gay, mas Direito de Amar não foi feito para dar uma lição sobre homofobia, foi feito para colocar uma história de amor nas telas. Uma história de amor após sua morte, uma história de amor no luto, uma história de amor no suicídio. E o estreiante diretor Tom Ford consegue criar essa sua história de amor, bem trabalhada, de uma maneira bem simples.
George (Colin Firth) é professor de uma universidade. Ele tinha uma vida maravilhosa com seu companheiro de 16 anos, Jim (Matthew Goode), até o dia em que ele recebe a notícia de um acidente de carro, onde seu amor falece. Após 8 meses, ainda de luto, ele percebe que não consegue mais pensar no futuro ou no passado, então decide se matar. Mas no último dia de sua vida, até a hora de sua morte, ele terá ainda muitas surpresas provindas das pessoas mais improváveis, como seu aluno Kenny (Nicholas Hoult) que insiste em persegui-lo no dia; e de uma grande amiga sua, Charley (Julianne Moore).
Admito que, ao passar na locadora e ver a capa branca com o nome Julianne Moore brilhando, peguei o filme sem ao menos saber do que se tratava. Só queria ver mais uma vez Julianne Moore. Bem, ela está ótima no filme, então meu objetivo valeu a pena. Se aparecesse mais, iria roubar a cena com certeza. Em apenas uma cena consegue me fazer prender a respiração. Mas a minha maior surpresa foi Colin Firth, uma ator de quem eu vi poucos filmes, que teve uma interpretação intensa. Foi indicado ao Oscar de melhor ator merecidamente, não via algo desse calibre em filmes de romance há tempos. Outros fatores que merecem uma atenção mais que especial é a fotografia e o figurino, ambos impecáveis. A vivacidade conferida no filme ao mostrar a beleza e as surpresas do dia decisivo de um suicida é ótima, a mudança constante de cores promove algo inquietante na obra. Como já disse, todo o roteiro fica por conta de uma história simples de amor que não acaba mesmo após o luto, que mesmo após a morte do amor ainda há um direito de viver e um direito de amar, amor esse conferido por outro ator do longa, Nicholas Hoult, que está compatível com o filme.
Uma história simples. Retrata o amor na morte de uma forma bem bonita. Não é de agradar a todos os públicos, mas chega a ser simpática a forma mostrada. O fim é bonito e tem os diálogos - quase monólogos de Colin Firth - como ponto alto. Embora o título traduzido até assuste, é um filme recomendado. Atuações dignas, fotografia impecável, figurino memorável com uma história morna. E repito, Colin Firth está invejável.
NOTA: 8

19 de novembro de 2010

O Assassino em Mim (2010)

Um filme de Michael Winterbottom com Casey Affleck, Jessica Alba e Kate Hudson.

O que difere este de outros filme de psicopatia, de uma película com sadismo incontrolável? A mesma coisa utilizada no ótimo Laranja Mecânica de Stanley Kubrick e Violência Gratuita de Michael Haneke. Nesse caso, nós não somos uma Jodie Foster boazinha, que tem que resolver crimes do dr. Hannibal em segundo plano. Nesse caso nós somos Casey Affleck, um psicopata que mata sem qualquer razão aparente, que tenta convencer o espectador a todo custo que ele é o injustiçado de toda essa história. E vemos de pouco em pouco sua mente doentia fazendo o jogo virar a cada minuto, seja em suas ações, seja em suas conversas com o público, sendo o amigo compreensivo que mata sem motivo.
Lou Ford (Casey Affleck) é um policial de uma pequena e pacata cidade no Texas na década de 50. A cultura não favorece muito sua cidade, lá os homens são cavaleiros e as mulheres são damas recatadas. Não se pergunta com quem você está saindo e um palavrão é um desvio imenso. Nesse cenário, Lou recebe um chamado reclamando da garota de programa Joyce (Jessica Alba) e vai averiguar o que se passa. No momento que chega na casa da prostituta, ele se sente atraída e a toma como amante. Ao mesmo tempo, ele namora com a bela Amy (Kate Hudson), uma garota apaixonada completamente por ele. A partir dessa situação, vemos de pouco em pouco Lou mostrar seu lado mais doentio, o que o compromete com os mais observadores.
O bom do filme é a narração e o envolvimento do personagem na história. A partir do começo dá para se confundir com apenas mais um caso de adultério numa sociedade intolerante e que eu ia dormir na metade. Quando eu realmente penso em fechar os olhos, aí é que começa a parte boa, que mal me deixa piscar. O filme trata a violência com tanta indiferença que não temos a sensação de ver um clássico de Hitchcock, com a trilha sonora acentuada nos momentos de suspense extremo, e sim um romance doce. Não podemos confiar no filme, está aí. Ele nos mostra que consegue chocar sem qualquer previsão de uma surra ou de um enforcamento, apenas com a realidade mais maçante que se pode ter. Além do mais, Casey Affleck relata o tempo inteiro a história de sua mente perturbada. O problema fica no ar: como compreendemos um filme tão ruim se nosso ponto de referência não tem noção do que realmente faz?
A trilha sonora é ótima. Misturada com músicas doces e um piano a cada fim de dia há toda a violência gratuita e explícita na película, que trás uma surpresa nata, ao mesmo tempo de um tédio insuportável. Casey Affleck poderia estar bem melhor, mas consegue convencer boa parte do filme como o perturbado que ele é. É difícil eleger a melhor atuação do filme, nenhuma me chamou a atenção em especial. Casey Affleck poderia ter tido um melhor aproveitamento do personagem, que tem várias manias não aproveitadas no longa. Jessica Alba é uma candidata, me convence durante seus poucos minutos de filme, minutos esses que são aproveitados numa cama com o psicopata. Não posso dizer muito de Kate Hudson, já que ela teve quase a mesma carga que Jessica Alba, mas estava bem. A fotografia é muito bonita, ainda mais levando em conta o lugar das filmagens, que a torna ainda melhor.
O Assassino em Mim não é o melhor filme de 2010, não vejo porque foi tão comentado no Sundance, não é o melhor filme sobre a violência, nem é muito bem explorado. Mas é interessante ver na película os delírios do personagem de Casey Affleck que é um Hannibal em suas ações humanas, mas não chega perto do canibal ao mostrar seu lado violento. Há certa parte do filme em que ele começa a descrever as pessoas a partir do seu ponto de vista, sendo um o vilão, outro o capanga. É um filme invertido em seus valores morais, não é o melhor de 2010 mas merece ser visto.
NOTA: 7

15 de novembro de 2010

Minhas Mães e Meu Pai (2010)

Um filme de Lisa Cholodenko com Julianne Moore, Annette Bening e Mark Ruffalo.

Um casal lésbico com dois filhos adolescentes. Isso, nas mãos erradas, poderia gerar muita polêmica. O filme poderia ser escrito falando de uma tempestuosa relação homossexual, de como ela é bem mais divertida e exagerada do que a heterossexual, de como os filhos tem vergonha das mães e sofrem com o preconceito. Agradeço primeiramente por ser Lisa Cholodenko a responsável pela obra. O casal feito por Julianne Moore e Annette Bening é tão banal que os mais preconceituosos esquecem que é um casal gay. Não digo que o filme precisava de mais cenas lembrando ao público que são lésbicas que eles veem na tela, ainda mais porque isso é péssimo e o transformaria numa comédia forçada. Minhas Mães e Meu Pai tem o trunfo de ser natural ao extremo, tão natural que nem a imagem estereotipada de um casal homossexual que o espectador geralmente tem o estraga.
Jules (Julianne Moore) e Nic (Annette Bening) são duas lésbicas que formam um casal unido. Jules não tem trabalho para cuidar de seus filhos, Joni (Mia Wasikowska) e Laser (Josh Hutcherson), mas como eles já estão crescidos, ela pensa em abrir um ramo de paisagismo. Nic é uma médica esforçada, muito perfeccionista e viciada em vinho. A harmonia da família vai bem até que, faltando pouco para Jodi ingressar na universidade, as crianças decidem conhecer o doador de esperma que os gerou. A partir dessa situação, Paul (Mark Ruffalo) entra na vida da família e tudo fica irremediavelmente abalado.
Não dá para não esperar muito de um elenco desse peso. Julianne Moore é excelente, não precisa de comentários. Annette Bening está perfeita, uma interpretação impecável que eu tive o prazer de ver. As duas tem uma sintonia tão grande que ficam melhores juntas do que muitos casais heterossexuais forçados que vemos nas telas atualmente. Mark Ruffalo é outro show do longa, dava prazer de vê-lo cena após cena nas situações mais diversas. Eu não sabia o que podia esperar das crianças; de Mia só tinha visto o supervalorizado Alice No País das Maravilhas, e devo dizer que ela me surpreendeu nessa película. Acho que levou bastante bem seu papel. Já tinha visto uma boa atuação de Josh Hutcherson em filmes anteriores, então acho que seu nível continua.
A graça do filme se dá pela entrada de um doador de esperma sonso na vida de duas lésbicas já realizadas, um homem que cria uma reviravolta na vida das duas e de seus filhos a partir de suas filosofias e ações. O que o filme traz é uma lição boa: pai é aquele que cria, nem que o pai seja uma mulher. Não adianta ser um Mark Ruffalo e tentar se intrometer na vida de duas crianças com mentes já formadas e de um casal homossexual casado há muitos anos, ou o que acontece é o que se vê em Minhas Mães e Meu Pai. Uma das comédias que mais tive o prazer de ver nos últimos tempos.
NOTA: 8

13 de novembro de 2010

Deixa Ela Entrar (2008)

Um filme de Tomas Alfredson com Lina Leandersson e Kåre Hedebrant.

Agora vamos revelar um segredo que não é tão secreto assim. Embora muitos achem que é um pecado comparar o paraíso cult Deixa Ela Entrar com o pesadelo que é a saga Crepúsculo, é exatamente isso que vou fazer agora. No romance pop, os vampiros não tem imagem. A criadora da saga quis modificar uma ideia já criada para agradar as adolescentes, mostrando que o príncipe encantado pode ser tanto um cavaleiro quanto um vampiro vegetariano. Além de tudo isso, o amor criado entre Kristen Stewart e Robert Pattinson é um dos mais forçados que eu já vi. No drama sueco, os vampiros amam, mas não deixam de lado seu instinto sedento por sangue. E também não brilham quando expostos ao sol, por favor, o que já nos deixa com uma imagem pronta na cabeça. A atuação entre os dois pequenos é tão verdadeira que as mortes no filme só tornam os sentimentos mais sutis e o filme de terror se torna uma chacina romântica.
Num subúrbio movimentado de Estocolmo, Oskar (Kåre Hedebrant), um menino que sofre os terrores do bullying na sua escola, sonha com a tão esperada vingança e com a coragem que a fará se realizar. Sua vida sofre uma reviravolta quando ele conhece sua nova vizinha, Eli (Lina Leandersson), uma garota misteriosa e bonita, que rouba o coração do menino. Oskar logo percebe que há algo de estranho com a menina, e descobre aos poucos que ela é uma vampira sanguinária que não suporta o sol e precisa matar para viver. Embora ela o tenha ajudado a encarar seus medos na escola, o garoto entra em dúvida: a relação deles é uma laço que envolve até mesmo homicídios?
Embora Deixa Ela Entrar deixe um pouco a desejar em alguns aspectos, todo o resto é superior a qualquer história de vampiros que você possa ver por aí. A cena final da piscina é incrível e o filme possui uma fotografia bonita e simpática. A atuação das duas crianças não deixa a desejar. Lina Leandersson está incrível na pele da garota sanguinária, a melhor atuação do longa. Kåre Hedebrant tem uma atuação agradável, acima do mediano mas abaixo de sua namorada vampira. O roteiro provém de uma história de amor entre um vampiro e um mortal. Como já falei, todo o sangue e os desmembramentos mostrados só aumentam a realidade do amor entre os dois jovens, um amor vivido por um pré-adolescente e uma imortal, ambos nunca amaram. E o melhor de tudo é que consegue criar um romance sem denegrir a imagem do vampiro. Vampiro queima no sol. Vampiro bebe sangue, seja lá de quem for. Vampiro é rápido, vampiro é forte, vampiro mata. Vampiro não brilha. Toda vez que eu vejo um vampiro brilhando eu sinto vontade de vomitar.
Assustadoramente lindo. Singelo e mortífero ao mesmo tempo, um dos melhores filmes de vampiro feitos nos últimos anos, um dos melhores filmes de amor feitos nos últimos anos. O que o salva é a verdade nos instintos em relação à fábula popular que é idolatrada cada vez mais nos cinemas. Daqui a pouco as crianças do futuro vão achar que os vampiros brilham. Ontem minha reação seria "elas precisam ver Drácula". Hoje minha reação é "elas precisam ver Deixa Ela Entrar".
NOTA: 8

12 de novembro de 2010

Sangue Negro (2007)

Um filme de Paul Thomas Anderson com Daniel Day-Lewis.

Juno realmente mostra a aventura de se tornar grávida com uma frieza e indiferença que Ellen Page retratou com maestria, entrando na ironia que é o mundo adolescente atual. Onde Os Fracos Não Tem Vez é uma obra prima, uma crítica forte com o ótimo Javier Bardem, um dos psicopatas mais interessantes dos últimos anos. Agora, para mim, a Academia se enganou ao eleger a película dos Coen e não a de Paul Thomas Anderson como melhor filme. Além do mais, Daniel Day-Lewis ganhou merecidamente seu prêmio de melhor ator. O que há de mais em Sangue Negro? Metáforas, metáforas e mais metáforas de um povo cuja ganância estava em estado de formação, ganância esta que resultou numa sociedade altamente etnocentrista.
Nos Estados Unidos na virada do século XIX para o século XX, logo após a guerra de secessão, um mineiro acabado tem como tarefa explorar algumas minas da Califórnia para conseguir seu ganha-pão. Logo após esse prólogo, vemos o mesmo mineiro que virou um explorador de petróleo que chega a ganhar 5.000 dólares por semana com o que ele consegue extrair. Esse mineiro é Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), um capitalista ganancioso. Quando ele é informado de uma cidade do Oeste, Little Boston, que tem um oceano de petróleo em seu subsolo, ele parte imediatamente com seu filho e sócio H.W. (Dillon Freasier) para lá. Ao chegar na cidade, Daniel logo vai comprando todos os terrenos para poder explorar pacientemente seu petróleo. Mas o que ele não espera é arranjar um conflito tão forte com a Igreja local, comandada pelo pastor Eli Sunday (Paul Dano).
Uma metáfora forte sobre o capitalismo selvagem, comandado pelo ambicioso Daniel Plainview em sua busca incessante e louca para lucrar com o petróleo, não importando quem ele derrubasse com sua cobiça e seu discurso cínico, que observamos logo no início do filme ao se caracterizar por ter um "negócio familiar", tendo o filho pré-adolescente como sócio para não precisar dividir seu lucro com ninguém. Também observamos uma crítica à igreja alienadora de Eli Sunday, o pastor mágico que cura os problemas de uma cidade cheia de crendices e costumes ligados à profecia do jovem padre. Observamos que a igreja necessita do capitalismo, da mesma forma que é inimiga deste. E o fim do filme retrata bem isso. Ao descobrir que a ligação entre a igreja e o próprio dinheiro está acabada, Daniel Plainview massacra a religião no auge da sua loucura, após renegar a última fonte de comunicação com a humanidade, que por uma ironia era seu filho mudo. É algo simples e surpreendente, utilizando duas fontes de usura atuais numa guerra existente na história dos EUA.
A atuação é, não posso dizer o ápice já que tudo no filme beira a perfeição, um dos pontos altos da película. Daniel Day-Lewis está divino, numa das melhores atuações que já vi. Suas facetas que reprimem a raiva escondida em ver toda a sua glória se desmanchando em fogo ou então reprimindo toda a sua demência e desejo que foi se acumulando silenciosamente ao longo dos anos são ótimas, o classificando como grande na sua interpretação. Paul Dano, famoso por seu papel em Pequena Miss Sunshine, está bem mais denso nesse filme. A cena em que seu personagem aparece coberto de lama após uma discussão com o petroleiro ou a que ele se faz de um amigo da indústria petrolífera para ajudar sua paróquia, todas as cenas em que o menino aparece são feitas para brilhar. A fotografia é belíssima e a trilha sonora aumenta ainda mais o clima pesado que ronda Sangue Negro, dois fatores que auxiliam bastante o andamento da história.
Sangue Negro começa com um prólogo de 15 minutos completamente silencioso, onde só podemos ouvir o barulho da natureza, uma explosão, do dinheiro numa caixa registradora e de um grito abafado de Daniel Day-Lewis. O filme termina quase 30 anos depois, numa pista de boliche onde um rico explorador de petróleo convence um padre fervoroso a se auto denominar charlatão e dizer que Deus não passa de uma superstição, tudo graças ao sistema capitalista que pode expandir a igreja deste pastor do pequeno vilarejo de Little Boston. Um ótimo filme onde tudo se liga numa teia negra como o sangue propriamente dito. Mais uma obra-prima para a filmografia de Paul Thomas Anderson, ao lado de Magnólia e Boogie Nights.
NOTA: 10

O Sorriso de Mona Lisa (2003)

Um filme de Mike Newell com Julia Roberts, Kirsten Dunst e Maggie Gyllenhaal.

Uma Sociedade dos Poetas Mortos mais atual e na sua versão feminina. E com uma atuação bem superior à de Robin Williams. O problema é que esse primeiro mostra sua mensagem de pensar por si próprio de uma forma bem mais clara e crua, enquanto O Sorriso de Mona Lisa é uma crítica ao machismo e à submissão feminina, com uma mensagem bem irônica e inesperada. A semelhança é o clichê em mostrar uma mensagem muito boa e a diferença é o ponto chave. Enquanto Sociedade dos Poetas Mortos tem foco no pensamento, O Sorriso de Mona Lisa é um filme em favor da emancipação das mulheres, o pensamento fica em segundo plano.
Katherine Watson (Julia Roberts) é uma professora de história da arte que consegue um emprego no colégio Wellesley. Sua atitude muito moderna para a década de 50, uma década onde as mulheres não são valorizadas pelo seu intelectual, cria certo preconceito das alunas em relação à novata, que não se casou e nem espera isso. Além do mais, suas aulas fogem do padrão proposto do livro-base o que deixa as alunas cada vez mais confusas. Mas a verdadeira missão de Katherine na nova escola é tentar criar uma mentalidade em suas alunas, como Elisabeth Warren (Kirsten Dunst), uma aluna cujo único sonho é casar e ter a vida que qualquer menina quer; e Joan Brandwyn (Julia Stiles), uma dedicada aluna cujo sonho é fazer direito, mas é oprimida graças ao padrão de vida feminino.
Bela atuação, o ponto realmente alto do filme. Enquanto esperamos uma atuação boa de Julia Roberts, a veterana que faz filmes premiados como Uma Linda Mulher e Erin Brockovich, a boa interpretação vem de outro lado. Julia Roberts é simplesmente a pior do filme inteiro, já que sua atuação me parece qualquer outra coisa que ela já fez de um modo bem forçado. Agora as alunas de Julia Roberts é que deveriam ensinar a mestra. Kirsten Dunst faz uma atuação sem falhas, a adolescente infeliz que tem de se virar numa situação do inverso de seus sonhos. Tenho que admirar Julia Stiles, não conhecia o trabalho dela e me surpreendi com tamanha interpretação. Maggie Gyllenhaal é outro atrativo do filme com uma atuação impecável. A fotografia do filme é muito bonita.
Agora vamos cair um pouco. O roteiro seria brilhante caso Sociedade dos Poetas Mortos fosse lançado alguns anos depois. Como não foi, tudo me pareceu apenas uma cópia para defender o feminismo. Há uma sensação muito incômoda de déjà vu à medida que o filme termina. Eu estava esperando alguém subir nas carteiras da sala de aula para gritar Oh captain! My captain! ou então que Julia Roberts terminasse o filme com um Carpe Diem. Fora essa falta de originalidade do roteiro, tenho que dizer que o filme explorou muito bom a sociedade da época. Uma das cenas de que mais gostei foi ver Julia Stiles confrontando Julia Roberts ao mostrar que as mulheres podem tanto se casar quanto pensar ao mesmo tempo, e a cara de brochante da professora foi algo tão impagável que o filme vale por essa cena.
É muito difícil escrever algo sobre O Sorriso de Mona Lisa sem ao menos citar Sociedade dos Poetas Mortos, já que os dois tem o mesmo estilo, o mesmo roteiro disfarçado, a mesma lição maquiada. O filme vale a pena pelos créditos, que mostram a verdadeira função da mulher na década de 50: sorrir, cozinhar, passar, esperar o marido chegar cansado do trabalho para ser uma esposa troféu. E ainda vale a pena pelas atuações das alunas, Julia Stiles está realmente ótima. Mas se for por Julia Roberts, nem recomendo.
NOTA: 7

11 de novembro de 2010

Caché (2005)

Um filme de Michael Haneke com Daniel Auteuil e Juliette Binoche.

Acho que nunca um diretor conseguiu criar obras tão tensas quanto Haneke. Se eu estiver errado corrijam-me, por favor. Quando vi A Professora de Piano, a angústia ficava pairando sobre o filme a cada minuto, dando uma sensação de querer mais de um filme angustiante. Em Violência Gratuita, o diretor austríaco promoveu a cena mais desagradável que eu já vi, que trouxe uma angústia real ao espectador em meio a tanta tortura. Caché é criado a partir da angústia, seu ponto principal de trabalho. O filme é criado com um conflito fraco, que poderia até gerir um filme de horror, e não há uma classificação precisa dos personagens em protagonistas e antagonistas. Não sabemos nada dos personagens de Caché, que em francês significa Escondido, apenas o que eles deixam transparecer, que não é nada. Não há um estereotipo os definindo, só há um ponto na sinopse: uma família com vários segredos. Cabe ao espectador descobrir, desconfortavelmente, o segredos que rondam o filme.
Georges Laurent (Daniel Auteuil) é o apresentador de um programa literário da TV, casado com Anne (Juliette Binoche) com quem tem um filho adolescente, Pierrot (Lester Makedonsky). Sua vida calma e pacata em Paris é atrapalhada quando ele começa a receber fitas de vídeo que mostram sua casa de fora, um sinal de que alguém o espiona. A tensão dele aumenta quando numa fita ele descobre que passa a poucos metros de quem filmava sem ver. Aos poucos o clima familiar fica paranóico graças as fitas que, à medida que vão chegando, se tornam mais pessoais e revelam sobre o passado de Georges.
O roteiro é uma metáfora ao mal-estar social, que se eleva aos mais altos níveis de um preconceito implícito até o incômodo da síndrome de perseguição. O filme te traz as perguntas mas não te dá as respostas cuspidas, tanto que se as respostas existissem a sociedade não estaria do modo como está, retratada através de uma obra de Haneke com a falta da comunicação. Primeiramente, há toda a estória que Georges criou na infância ao tentar tirar da família o argeliano filho dos empregados graças a uma dúvida movida por um preconceito sem sentido e por uma inveja infantil. A história se repete anos depois quando toda a sensação de sufoco, de espionagem, volta a vida de Georges com a sombra de Majid, o excelente Maurice Bénichou. É um sufoco de todo o preconceito e mentiras de sua vida, uma angústia da xenofobia que ele teve implicitamente e que Haneke quis mostrar ao longo do filme na capital francesa, um desconforto que faz o público se remexer na cadeira ao presenciar tamanho cinismo com relação à família e com o passado.
Daniel Auteuil é a alma do filme, mostra que é um ótimo ator ao vivenciar um papel tão tenso numa história tão arrebatadora. Ao se ver num papel tão desconfortável ele apenas se ajusta ao máximo, ao ter de criar uma teia de mentiras que consiga entreter o público confuso. Juliette Binoche é outro atrativo do filme, cativa ao espectador com sua beleza e simplicidade ao interpretar uma mulher aterrorizada com toda a situação que tem de enfrentar. A fotografia do filme é excelente.
Um filme cativante e confuso, extremamente angustiante. Um filme inteiro sobre o sufoco pessoal numa sociedade é criado apenas com uma fita de vídeo que não mostra absolutamente nada de comprometedor, só uma casa vista de frente. O comprometedor vem após, seguindo a cronologia de Caché. Durante todo o filme, temos a sensação que a sessão é apenas mais uma fita de vídeo, só esperamos Daniel Auteuil apertar o retroceder para vermos que tudo não passa de uma película, e então poderemos voltar ao nosso próprio sufoco sem precisar de fitas de vídeo para nos lembrar disso.
NOTA: 9

10 de novembro de 2010

Violência Gratuita (1997)

Um filme de Michael Haneke com Frank Giering e Arno Frisch.

Terror interativo é o que Haneke promove em sua obra. Mas não pense que é um terror interativo onde o espectador se sente no filme (vi uma reportagem estes dias de um filme que liga para alguém do cinema e essa pessoa conduz o personagem o filme inteiro, mas deixemos isso para outra hora). O espectador, nesse caso, é um cúmplice de toda a violência gratuita apresentada em Violência Gratuita. As intensas quebras feitas pelos personagens psicopatas tiram o envolvimento com o filme criando certo distanciamento, permitindo que o público possa perceber que Violência Gratuita não é um filme de terror e sim de uma ironia interativa ao terror. Todos que veem a película esperam mortes, sangue e um soco intenso na mente, mas o filme traz uma discussão ainda maior: até que ponto você se diverte com a violência apresentada? Afinal, tudo no filme é de uma naturalidade incrível o que o torna mais real e menos divertido do que o esperado.
Uma família feliz vai passar um final de semana na casa de lago, perto de seus amigos. Georg (Ulrich Mühe) mal espera para poder velejar com seu filho, enquanto sua mulher, Anna (Susanne Lothar) descongela alguns bifes e aguarda o outro dia para poderem jogar golfe com os vizinhos. Mas quando dois amigos do vizinho, Paul (Arno Frisch) e Peter (Frank Giering), chegam pedindo ovos e para testar tacos de golfe, Anna fica descontrolada com a situação e os manda sair da casa. Quando a família percebe que os dois não saem já é tarde demais, já que os garotos misteriosos se revelam psicopatas que querem fazer um jogo de tortura intensa com a família.
O filme necessita de uma atuação boa, completamente essencial. Claro, todos os filmes necessitam para o entendimento, mas esse precisa em especial que os atores sejam competentes. E foram. Espero que tanto nesse quanto no remake americano de 2007, com Naomi Watts. Susanne Lothar me trouxe numa das cenas mais desconfortáveis da minha vida, o que a deixou ainda mais convincente. Ulrich Mühe é outro que conseguiu trazer toda a passividade de um pai que não conseguia ajudar a família. Agora eu bato palmas para os psicopatas. Arno Frisch está brilhante e consegue carregar o filme inteiro em suas costas. Frank Giering, embora em segundo plano se comparado com o primeiro, está ótimo em sua interpretação. Acho necessário falar da direção. A cena desconfortável que citei foi onde Susanne Lothar passa 3 minutos na mesma posição para rastejar por 2 minutos e ver o marido chorar por mais 3. Esses 8 minutos são uma eternidade, angustiantes ao extremo, o que criou toda a tensão e expectativa no filme. Isso é só uma das diversas táticas usadas por Haneke na obra.
O roteiro é uma crítica ao terror diário. Observamos no filme que os psicopatas mandam na situação o tempo inteiro, verificamos que até quando eles perdem o controle da situação eles o retomam na inesquecível cena do controle remoto. E que matam por diversão. Não há razão aparente para pedirem ovos e matar famílias, o que trás ainda um aspecto mais real. Psicopatas matam por diversão, não precisam de razão, tanto nos filmes quanto na vida real. E a tortura cinematográfica psicológica só agrava essa lição. O filme tem uma relação intensa com o espectador. Podemos ver na obra que não aparece nenhuma cena explícita de violência, que são tapadas através de zooms, apenas uma morte que é logo apagada pelo botão de "retroceder" e esquecida em meio a loucura criada por Michael Haneke. Continuamos vendo que no começo do jogo entre os psicopatas e a família, os vilões insistem em perguntar à câmera: "mas não podemos terminar o filme aqui, não acham? Isso não merece um final mais digno?". O espectador se torna um voyeur sádico e se identifica com essa imagem crua fornecida pela película.
Você entra no filme com uma sede implacável por mortes, mas sai com um remorso imenso, cheio de dúvidas sobre a sociedade. Violência Gratuita não é feito para você se divertir em meio a banhos de sangue e sim para você perceber sobre a violência gratuita, não só a fornecida pelo diretor austríaco, mas também a que presenciamos no nosso dia a dia, uma violência tão gratuita quanto a dos psicopatas da ficção. Afinal, se formos comparar, não há tanta diferença entre uma obra tão densa e a realidade.
NOTA: 9

Noivas Em Guerra (2009)

Um filme de Gary Winick com Kate Hudson e Anne Hathaway.

Divertidinho, dá para rir um pouco, um programa bem família, filme típico para se passar na sessão da tarde, até a transição combina. Meus comentários estão acabando para as comédias, ainda mais porque eu não tenho visto nada de novo até agora, só os velhos risos que estão esquecidos com o tempo. Eu normalmente rio em filmes, mas raramente lembro do que eu ri. Noivas Em Guerra não foge a isso, bem, não me lembro de comédias que fugiram a isso. O objetivo do filme é trazer um riso momentâneo, assim como em quaisquer outros besteirois e comédias trazidas pela fantástica indústria Hollywoodiana, que consegue ainda transformar dramas fracos em comédias. Bem, o filme atingiu o objetivo.
Emma (Anne Hathaway) e Liv (Kate Hudson) são amigas desde pequenas. No dia em que se conheceram, as duas estavam no Plaza, tendo um lanche, quando uma noiva passa e deixa cair um broche de seu cabelo, chamando a atenção das duas meninas. Logo, elas fazem uma promessa: as duas vão se casar no mês de Junho no Plaza. Alguns anos depois, as duas ficam noivas ao mesmo tempo e, com um problema na festa, elas descobrem que tem de dividir o mesmo dia de casamento. Uma tenta convencer a outra de desistir do casamento para os planos darem certo e, com isso, tanto o relacionamento amoroso quanto a amizade ficam abaladas.
Anne Hathaway consegue levar o filme tranquilamente. A atuação dela não chega a ser estupenda como em outros trabalhos, mas condiz com sua personagem perfeccionista. Kate Hudson me convenceu, embora forçadamente, de que ela era uma advogada rica durante todo o filme. Uma boa trilha sonora com canções cativantes e chicletes é o que todo filme de comédia deve ter, esse não escapa dos padrões. O roteiro é algo extremamente previsível. No filme há aquela dúvida de quem vai desistir do casamento, embora esta seja sanada em poucos minutos após o conflito principal, mas o clichê é dominante. Enquanto uma manda chocolates para a amiga engordar, a outra bronzeia a amiga de laranja. Consigo contar os risos falsos que eu dei no filme na minha mão direita e os verdadeiros ficam em apenas um dedo.
Se quer um filme que entretenha seu fim de semana com as amigas, está aí Noivas Em Guerra. Uma história que poderia dar certo se fosse feita de maneira correta, mas que se tornou extremamente enfadonha após algumas cenas maçantes. Não gera polêmica, não gera discussão, gera apenas mais uma lição de amizade que é bombardeada em vários filmes atuais. Se você quer ver uma boa atuação de Anne Hathaway, pegue O Casamento de Rachel, se quer ver uma história interessante com Kate Hudson, pegue A Chave Mestra. Agora se seu objetivo é ver duas amigas brigadas que pintam o cabelo de azul e até rir um pouco, esta aí o filme.
NOTA: 4

6 de novembro de 2010

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Um filme de Jim Sharman com Susan Sarandon e Tim Curry.

Se você topa filmes trash, esse é obrigatório para você. Um filme B musicado com comédia, sátiras ao terror e uma pornografia não tão explícita, isso é divertidíssimo se juntasse em um único filme, e é o que ocorreu em Rocky Horror. Um clássico dos vários filmes trash que são cultuados atualmente cujo ponto alto é o sarcasmo em se tratando de outros filmes do gênero. Os desmaios constantes de Janet Weiss, o castelo imenso e assustador, um carro que se quebra no meio do nada, a chegada dos visitantes no dia mais decisivo e o filme quebra todo o clichê utilizado com seus personagens estereotipados ao extremo e com um travesti no lugar do cientista louco, além das músicas com alto teor sexual.
Brad Majors (Barry Bostwick) acaba de se tornar noivo de Janet Weiss (Susan Sarandon) e a única coisa que eles têm de fazer para confirmar o noivado é contar a novidade para o doutor que os apresentou. Porém, no caminho, o carro deles quebra e eles não veem outra alternativa senão entrar num castelo imenso e pedir para usar o telefone. Mas eles não sabem que aquele é o castelo do doutor Frank-N-Further (Tim Curry), um travesti cientista que veio do planeta Transsexual e que está comemorando sua mais nova invenção: Rocky (Peter Hinwood), uma criatura musculosa criada apenas para dar prazer ao alienígena.
Como falado anteriormente, o sarcasmo é o melhor do filme. De pornô, o filme te deixa com tesão no máximo. De terror, apenas a maquiagem, que é facilmente driblada após as atuações. De musical, pouco, pois vamos admitir que Tim Curry e Susan Sarandon não são as pessoas mais afinadas do mundo. O que ganha no filme é a comédia por acabar com todos esses gêneros através de um roteiro que explora o máximo dos estereotipos. As atuações do filme são boas. Tim Curry está fantástico, ele entrou mesmo no personagem. Acho que conseguiu andar melhor de salto-alto do que minha mãe. Susan Sarandon é outro show no começo de carreira. O resto fica por conta do roteiro altamente irônico e divertido, criado por Richard O' Brien, recheado com bizarrices que, realmente, só poderiam ter vindo de outro planeta.
Fala sério mesmo? ETs transsexuais, criadas de cabelo rosa com voz de Cindy Lauper, uma sátira a filmes de terror, musicais e policiais (a cena onde o investigador ensina você a dançar o Time Warp só pode ser definida assim), perseguições com lasers, danças de cabaret numa piscina e canções com alto apelo erótico. Rocky Horror é um filme divertidíssimo de tão mal feito que te faz perguntar como ele consegue dar certo, desde seu começo com uma música metalinguística do filme cantada por lábios bastante maquiados. Entre cenas de um banquete sobre o corpo de um motociclista morto e de Susan Sarandon cantando "toque, toque, toque, toque-me, pois eu quero ser suja" sem ritmo qualquer, achamos aí a graça nesse clássico do... terror? Comédia? Musical? De um cinema altamente satírico.
NOTA: 8

5 de novembro de 2010

A Professora De Piano (2001)

Um filme de Michael Haneke com Isabelle Huppert e Benoît Magimel.

A mente humana é algo ótimo para ser trabalhado, e quando trabalhado bem se torna algo perturbadoramente marcante. Esse é A Professora de Piano, trabalhando com a mente anti-social de uma humana que se priva das emoções, mas que ao simples contato delas se torna bastante instável. E observamos na obra ainda toda a imprevisibilidade que Haneke usa em sua protagonista/antagonista, pois a mente doentia da professora é uma surpresa a cada segundo que se passa. Não esquecendo que, se um filme se torna tocante a esse ponto, é porque tanto o roteiro é bem feito e mostra o que quer retratar através de esquemas, metáforas ou situações explícitas ou implícitas para o entendimento quanto a atuação é excelente para poder trazer personagens tão complexos e obscuros para apenas uma película.
Erika Kohut (Isabelle Huppert) é uma professora de piano para jovens seletos. Suas atitudes são um tanto quanto peculiares, pois ela ainda mora com a mãe apesar de já ter 40, e ainda divide o quarto com esta, embora tenha um só para ela. Ela não bebe, não tem amigos e muito menos sentimentos, se tornando uma pessoa sisuda e antipática ao ser vista pelos outros. Além disso, Erika é uma praticante do voyeurismo, já que frequenta peep-shows e sex shops. Num dia, ela começa a dar aulas para Walter Klemmer (Benoît Magimel), um aluno que se interessa por ela, e por isso traz apenas músicas de Schubert para tentar impressionar a mestra. Mas quando o relacionamento dos dois avança a um certo patamar, Walter conhece um lado da professora que ninguém tinha visto antes.
Isabelle Huppert está magnífica. Embora sua personagem não deixe transparecer os sentimentos, ela consegue fazer uma caricatura desse ser sem extrapolá-lo ou minimizá-lo. E sua faceta na cena final do filme exprime um dos momentos mais perturbadores e sentimentais que eu já vi. Não coloco Benoît Magimel no mesmo patamar de sua mestra, ainda mais porque a atuação de Isabelle foi bem mais consistente que a dele, mas ele consegue convencer durante todos os 130 minutos aproximados da sessão. A fotografia prega por cenas simples e frias, deixando o filme tão natural e tão angustiante ao mesmo tempo que o resultado é um soco na mente. A trilha sonora é fantástica e deixa o longa ainda mais verossímil, ao fazer um contraste entre a agressividade dos sonetos de Schubert e a calma nas situações.
O roteiro é incrível. É a exploração de um único ser humano imprevisível, com perturbações sérias, assim como todos tem em algum aspecto. O problema da personagem de Isabelle Huppert era seus sentimentos, que a tornavam numa mulher desinteressante com características únicas, como ir a um drive-in apenas para ver a prática sexual. Ao se deparar com o personagem de Benoît Magimel, ela começa a deixar seus sentimentos transparecerem um pouco, pois ela percebe alguém tão imprevisível quanto ela que, gradativamente, vai tomando o que pertencia a ela: o controle da situação. Graças a isso, surgem as surpresas para ela poder controlá-lo, que se dá na forma do masoquismo e do estupro. Após isso, ela tem uma batalha feroz em si, ou fica com o que quer, que é o controle da situação e sua vida fria, ou se deixa levar pelos sentimentos desconhecidos que começam a controlar seu corpo. E, após a frase de Benoît, "ferida de amor não dói" e após o desfecho arrebatador, fica claro o que ela escolheu, já que a ferida de amor nela realmente doía, e seu controle da situação foi apunhalar seu coração.
Primeiramente, pensei em dar 1 para o filme, pois o vi sem intenções, o que tornou o filme estranho. Revendo-o, vi que merecia muito mais, afinal ele trata de uma maneira diferente na narração e simplíssima na técnica da psicologia. O verdadeiro choque realmente se dá por tudo ser tão normal no filme e termos que tratar com uma mulher psicótica, que corta a mão de uma aluna por inveja e que bate na mãe e tenta aliciá-la na mesma noite, uma mulher com práticas masoquistas perturbadoras. A Professora de Piano é um filme super angustiante, não se deixe levar pelas maçantes músicas de piano do incansável começo, pois quando a psicanálise começa, nada mais a pára.
NOTA: 10

4 de novembro de 2010

Central do Brasil (1998)

Um filme de Walter Salles com Fernanda Montenegro e Marília Pêra.

É tenso ter que ver, no horário mais nobre da rede Globo, uma atuação lenta e forçada daquela que já foi uma atriz aclamada por muitos. Falo da veterana Fernanda Montenegro e se a experiência de você, caro leitor, com a atriz só fica em Passione, Central do Brasil é o filme certíssimo para você. Sinceramente, uma das melhores atuações que eu já pude ver, e vocês não sabem como me orgulhei de sentir isso de um filme brasileiro. Eu sou um daqueles que acha que Fernanda deveria ter ganho de lavada da Gwyneth Paltrow no Oscar de 1999, mas não tão surreal a achar que Central do Brasil ganharia de A Vida É Bela no prêmio de melhor filme estrangeiro. É tocante ao extremo e consegue trazer sentimentos à tona desde seus primeiros minutos, com todo o impacto das atuações e com um roteiro bem escrito por Walter Salles.
Dora (Fernanda Montenegro) é uma mulher que ganha a vida escrevendo cartas para analfabetos na Estação Central do Brasil, no Rio de Janeiro. Mas as pessoas que contratam seus serviços mal sabem que quando ela chega em casa, ela elege algumas cartas para serem rasgadas e outras para serem colocadas numa gaveta, sem nunca conhecer o verdadeiro destino. Para esse seu segundo ofício, ela conta com a ajuda de sua única amiga, Irene (Marília Pêra). Mas, num dia, enquanto ela escreve cartas, Ana (Soia Lira) e seu filho Josué (Vinícius de Oliveira) contratam seu serviço para Dora escrever ao pai do menino. Quando a mãe do menino é atropelada, Dora se vê obrigada a levar a criança ao pai, no interior de Pernambuco, em Bom Jesus do Norte.
A atuação é a salvação do filme e é uma salvação plena. Fernanda Montenegro está maravilhosa, consegue trazer os sentimentos mais extremos à tona com poucas palavras e expressões, claro que com a ajuda do roteiro. Soube que ela estava tão convincente gravando na estação que algumas pessoas que não participavam do filme vieram pedir seus serviços. Marília Pêra é uma atuação pequena, mas ótima, além de trazer boa parte do humor para o filme como uma vizinha abestalhada mas não ao ponto de se tornar um estereotipo. Vinícius de Oliveira, como as outras duas atrizes, tem uma atuação incrível, não consigo pensar em qualquer outro global que conseguisse fazer o menino abelhudo com tanta maestria. A parte técnica foi outra coisa que merece aplausos. A fotografia está belíssima, sem pudor em mostrar o Brasil através de carroceiros, palavrões, transporte público caótico, um clima angustiante e uma violência desnecessária.
O roteiro é extremamente simples. A história da busca de um parente é algo que é fácil de se trazer lágrimas, ainda mais quando os personagens têm infâncias sofridas e vão criando um apego bem forte ao longo da sessão. E é ainda mais fácil de se trazer os sentimentos quando toda essa emoção é separada no auge, bruscamente. O filme seria um lixo se as atuações não fossem tão densas. Fora isso, é a mesma coisa da técnica: a beleza do roteiro fica por mostrar os vários lados de um Brasil cheio de pobreza e felicidade através de uma romaria ou de uma viagem de caminhão por auto-estradas, além de todas as cartas endereçadas às mais diferentes regiões. Por falar na romaria, o filme tem um bom aspecto religioso presente, dá para se criar várias interpretações através dos nomes bíblicos usados no filme ou do desmaio que quase foi um exorcismo na personagem de Fernanda Montenegro no auge de sua atuação.
Central do Brasil não mereceria tantos aplausos se não fosse interpretado bem. Demos graças que pegamos Fernanda Montenegro no seu auge para fazer esse filme espetacular e imperdível, que a tornou a única atriz brasileira a ser indicada a prêmio tamanho como o Oscar de melhor atriz, além de faturar muitos outros com a história emocionante feita por Walter Salles.
NOTA: 9

3 de novembro de 2010

Clube da Luta (1999)

Um filme de David Fincher com Edward Norton, Brad Pitt e Helena Bonham Carter.

"Jack" (Edward Norton) é um investigador de seguros extremamente desanimado com sua vida. Ele pode comprar o que quiser nas revistas de decoração que ele lê, mas ainda não se sente cheio, graças a sua terrível insônia. Um médico, não querendo lhe dar comprimidos, o manda ir para o grupo de apoio de câncer de testículos para ele saber o que é dor de verdade. No grupo, ele acha seu verdadeiro remédio, que é fingir ser um doente para poder consolar quem realmente precisa. Com esse seu plano, ele sai por todos os grupos de apoio de sua cidade, consolando os necessitados, até que ele acha outra pessoa igual a ele: Marla Singer (Helena Bonham Carter), uma mulher que vai a todos os grupos de apoio que ele também vai. Após uma discussão com Marla, ele tem de viajar, e na volta descobre que seu apartamento explodiu. Como não tem nenhum lugar para ficar, ele liga para Tyler Durden (Brad Pitt), um vendedor de sabonetes que ele conheceu num vôo. Após uma noite bebendo cerveja, Tyler pede para que "Jack" o soque com toda a sua força. Com isso, os dois começam a brigar toda a noite até que novas pessoas veem a briga e resolvem participar. Através disso se forma o Clube da Luta.
A atuação é esplêndida. Edward Norton é super convincente em seu papel desanimador e brochante, um perfeito escravo do consumismo. Helena Bonham Carter está incrível como Marla Singer, assim como qualquer outro papel que ela faz, de um modo bastante excêntrico e tão desanimadora quanto Edward Norton. Brad Pitt tem as mesmas caras e bocas, e a mesma animação de qualquer outro filme que você veja dele, por exemplo Queime Depois de Ler, mas ainda assim é uma boa atuação. Clube da Luta é um filme interessantíssimo para se ver. Vi-o com 10 anos e precisava revê-lo urgentemente, pois pouco me lembrava. É divertida a narração de Edward Norton e é ótimo como tudo se interliga no fim. O filme esbanja anarquia e é uma crítica ao capitalismo em que vivemos. Mas não é só uma crítica feita através de um filme como é visto em Adeus, Lenin!, A Culpa É Do Fidel! ou V de Vingança. O filme literalmente coloca o dedo na cara do espectador e fala: "É, merda, estou falando contigo, seu capitalista babaca. Que existência de merda que você tem, já pensou no quanto que você é infeliz?". Além disso, consegui identificar algo com A Onda, filme alemão de 2008, os dois tem uma ideologia parecida, embora o sucesso de 1999 seja bem superior.
Clube da Luta é, sem trocadilho algum, um soco na cara e na mente. Alguém com uma boa auto-estima sai dali com baixa auto-estima, e alguém com baixa auto-estima se mata após a sessão. Filmaço, recomendado para todos. Agora me desculpem por tentar reduzir o texto, sabe como é, a primeira regra do Clube da Luta é que não se fala do Clube da Luta.
NOTA: 10

2 de novembro de 2010

Monster - Desejo Assassino (2003)

Um filme de Patty Jenkins com Charlize Theron e Christina Ricci.

O incrível desse filme é o assombro que é Charlize Theron. Pode-se vê-la em trabalhos mais populares, como Aeon Flux, onde ela está linda, morena e extremamente falsa. Não que a atuação dela não seja boa, mas há muito mais verdade em Monster - Desejo Assassino do que em seu outro trabalho, tanto que lhe rendeu um Oscar merecidíssimo. Irreconhecível, se comparada a outros trabalhos. E bem mais verdadeira. Concordo que a interpretação de Charlize é o pique do filme inteiro, o que o faz não perder ritmo algum, e sua descaracterização é incrível. Além disso, a história sobre a primeira serial killer dos Estados Unidos é perigosa se não fosse interpretada de uma maneira correta, mas ficou agradável na forma de Charlize.
Aileen Wuornos (Charlize Theron) é uma adulta transtornada. Após criar um mundo em sua infância cheio de aspectos de contos de fadas e de mensagens positivas, ela recebe um choque quando se depara com a vida real através da prostituição logo cedo. No dia em que ela decide se matar, ela conhece Selby Wall (Christina Ricci), uma lésbica que vive num mundo homofóbico de sua família altamente religiosa e que só quer fugir dele por algum tempo. Porém, quando Aileen é torturada por um cliente, ela o mata e decide fugir com Selby, já que o homicídio lhe rendeu uma boa grana. Vendo que a polícia não tinha nem pista do assassino, ela inicia uma onda de assassinatos para conseguir sustentar as duas, se tornando a primeira serial killer da história norte-americana.
As possibilidades ficam bem presentes na história, ao ser comparada com aquilo que a mídia promove. Se olharmos através de jornais e reportagens que existem da época, Aileen Wuornos é um monstro que mata qualquer pessoa durante o ato sexual. O filme a torna algo bem mais simpática, alguém normal que tem de se virar devido as circunstâncias, alguém que ama, alguém que se decepciona, alguém que se fere, alguém que mata por amor e sobrevivência. A película esforça para tornar a assassina em uma humana. Nada que justifique a morte, mas ela se torna algo bem mais agradável e emocionante assim. O sarcasmo da protagonista também é algo que merece aclamações. A última frase é um soco na cara do público. "'A fé move montanhas'. 'O amor sempre vence no final'. É, eles têm que te falar alguma coisa".
A atuação é assustadora de tão boa. Charlize Theron é um show a parte, como já dito anteriormente. Ela incorporou de corpo e alma a serial killer com uma seriedade assombrosa. Deu para se esquecer completamente quem era Charlize Theron vendo o filme, eu tentei achar a mesma moça com traços perfeitos que fez Aeon Flux, mas só achei uma prostituta desengonçada, grande, com os cabelos desgrenhados e traços masculinos. E muita verdade. Christina Ricci é outra espetáculo fornecido na sessão, a moça interpreta com maestria sua Selby me causando os mais extremos sentimentos durante o filme.
Filmes com finais felizes são bons na mesma quantidade dos de finais infelizes. Desde que consigam me justificar o porquê acabaram assim, tudo está ótimo. E a infelicidade que aparece no filme se justifica o tempo inteiro, seja com o preconceito alheio onde o homossexualismo era um desvio completo da alma do caminho de deus ou com a dificuldade de se conseguir uma vida normal num mundo capitalista, as entrevistas de emprego que Charlize faz para conseguir se sustentar fora da prostituição são ótimas. E o desfecho dessa estória da procura de um sustento, com um estupro por um policial, é o fim que precisava. A prostituição é um caminho cruel cheio de preconceito, sem volta alguma se você não conseguir se sustentar fora dela. E nem a fé nem o amor podem ajudar nisso, não importa o quanto falem.
NOTA: 9

1 de novembro de 2010

Má Educação (2004)

Um filme de Almodóvar com Gael García Bernal e Fele Martínez.

Acho que eu nunca fiquei com tanta vontade de ver um filme por tanto tempo. Em 2004, na época em que eu ia ao cinema ver comédias por livre e espontânea vontade e minha lista de atores se resumia a Brad Pitt e Adam Sandler, eu li uma sinopse de Má Educação e juro que devo ter espumado para tentar ver o mais recente filme do gênio que era Almodóvar. Só após 6 anos de vontade é que fui ver algo que considerava ser o filme mais esperado da minha vida e, como qualquer coisa que se espera por bastante tempo, me decepcionei em partes. Mas mesmo se eu tivesse passado anos e anos remoendo expectativas sobre Réquiem Para Um Sonho ou Menina de Ouro, aposto que eles não teriam o mesmo impacto que tiveram sobre mim da primeira vez que eu assisti. Mas só digo isso: com ou sem expectativa, valeu a pena esperar esses anos, assim como vale a pena assistir essa obra.
Em Madrid, Enrique Goded (Fele Martínez) é um cineasta que está tendo um bloqueio criativo e não consegue achar inspirações para um filme. Até que num dia, um jovem chamado Ignacio Rodriguez (Gael García Bernal) bate em sua porta, apresentando-lhe uma história chamada "A Visita". Tudo correria bem se Ignacio não fosse um amigo de infância de Enrique, e, ainda mais, seu primeiro amor. Quando Enrique começa a ler o roteiro, ele vê que boa parte é baseada na estória de amor que os dois viveram na juventude e de como essa paixão foi interrompida pelo professor de literatura dos dois, o padre Manolo (Daniel Giménez Cacho), que molestava Ignacio. Enrique, então, decide usar o roteiro de Ignacio, mas descobre que uma parte dele ainda tem os mesmos sentimentos de sua adolescência.
Nada mais esperado do que uma atuação esplêndida. Sou fã de Gael García Bernal e ele ficou perfeito sendo um ator interpretando um ator que queria interpretar um travesti. Aliás, nada mais esperado de um filme almodóvoriano do que o travestismo. Voltando a Bernal, ele praticamente rouba a maioria da cena da obra, mas tenho que admitir que gostei do trabalho de Daniel Giménez, que fez um padre tão obcecado que me parecia real a denúncia que Almodóvar construiu de uma forma tão aberta e louca. A fotografia é excelente.
A trama é algo que merece uma ressalva a mais. Almodóvar simplesmente não quer falar de um modo clichê e cheio de lições sobre o homossexualismo, a pedofilia e a religião, e sim do modo que ele acha mais adequado. É como se ele estivesse apenas colocando mais lenha na fogueira ao fazer um filme que mostra um filme onde um padre mata um travesti. E o padre que assiste essa calúnia contra a Igreja só quer saber do garoto que ele molestava quando criança. Ele força o extremo a ser considerado normal na sociedade de hoje. Além de tudo, ele ainda traz uma mistura entre realidade e fantasia. Dá para criar um esquema interessante entre a história de Ignacio, Juan e Enrique, de como um queria ser o outro através de uma história, e de como a mente humana é algo complicado e complexo ao ponto de renegar uma paixão, de aumentar uma impossível e de fazer tudo para que uma dê certo.
É um filme extremamente passional, e eu fui querendo ver uma crítica à religião e homofobia. Há realmente uma grande investida de Almodóvar nesses pontos, ainda mais contra o tradicionalismo e os abusos sexuais cometidos por membros da Igreja, mas tudo no filme é movido por paixão. O bom de Má Educação é que ele não retrata a paixão tradicional, e sim uma paixão triplamente proibida. O resto fica por conta do excelente Gael García Bernal e de todo o roteiro de Almodóvar. E merece ser conferido imediatamente.
NOTA: 8